viernes, 2 de julio de 2010

2º Proyecto Escultura III

Quizá haya abierto una puerta a la locura, veo palabras y leo formas, la poética del espacio ha bloqueado mi sentido común.

En los textos ya no hay recuerdos, sino ilustraciones que se presentan como aparentes estatuas de cera, totalmente palpables en mi imaginario. Son escenas en vivo en un presente erróneo, tanto que escaman mi razón: escucho palabras andar tras de mi.

El hilo de la cordura es ambiguo, y cada vez doy más vueltas sobre un nido de recuerdos, recuerdos que se convirtieron en palabras para más tarde inaugurar el museo de mi memoria: un espacio vacío lleno de formas de palabras desarrugadas que divagan sonámbulas por el infinito.

Quizá haya abierto una puerta a la locura pero, las ventanas que me rodean me dejarán fluir en una corriente de aire manteniendo el equilibrio.




La idea clara de la obra es la concepción entre lo que soy Yo y quienes son los Otros. Es una fusión entre la suposición de un punto de vista del Yo de esas personas y el mío sobre el fruto de nuestra relación, es decir, obtener un resultado entre mi Yo y ese otro Yo de cada una de las relaciones, lo que se quedaron de mí, la forma de la huella que dejé en ellos y lo que yo pueda interpretar.

La carga emocional hablará por sí misma en cada una de las relaciones como también se hará notar la presencia del tiempo debido a los tantos recuerdos más o menos recientes, que es de lo que más se vale esta instalación y, por lo tanto, también se le puede atribuir una pizca de olvido.

Por otra parte, la obra cuenta con una segunda propuesta con la que el espectador tendrá que interactuar. Esta forma de relacionarse con dicha obra mantendrá un punto de vista individual, es decir, cada uno de los espectadores deberá aportar su propio punto de vista personal sobre mí, con la intención de que, al finalizar, la obra quede impregnada de todos los puntos de vista posibles y así conseguir la verdadera realidad, como defiende Ortega y Gasset con su perspectivismo al hablar de la complementariedad de las perspectivas, y así pues, la verdad será, el resultado progresivo de la unificación de las perspectivas.

De alguna forma guardan relación entre sí ambas propuestas ya que comprendo que la adjetivación de las sensaciones que se transmiten en la primera propuesta se me atribuye tanto como los posibles puntos de vista, y esto me hace poseedora de ello.

Ventanas                      


Este libro contaría la historia que hubiésemos construido entre las dos si nuestros caminos no se hubieran separado; es el libro de nuestras historia pero, se quedó en blanco al no poder componer un final, y así, ésas páginas que ya estaban escritas, las que construimos con varios años de amor y cariño fueron arrancadas al concluir esta relación, dando paso al olvido y, quizá, también al odio.



Él mantuvo conmigo una confidencialidad que no compartió con casi nadie, esta confianza que depositó en mi me hizo sentirme importante para él, y me hizo ver que posiblemente estuviera siendo la llave de ese candado cerrado y que abrí para liberarlo sin darme a penas cuenta, porque a veces, compartir tus problemas puede servir de mucho, aunque solo sea para sosegar un poco el alma.


Ella fue una de las dos o tres primeras personas en leer lo que yo ya empezaba a balbucear entre papeles; pero el motivo de estar envuelto es que, ésta chica, en un momento determinado me dio la espalda sin razón aparente. De esta forma muestro de qué modo pude abrirme a nuestra amistad, suspendiendo el poema de un hilo, y a la vez el rechazo que sufrí sin explicaciones doblando el poema sin poder leerse.



La exposición de esta pulsera es de una rotura en la amistad, por eso la expongo de este modo (con un hilo cortado, como motivo de no haber podido tejerse por completo nuestra amistad), como una forma de denotar esa fisura en la relación; además he decidido que la mejor manera de representar nuestra relación sea con esta pulsera de la amistad, ya que conlleva una carga simbólica tan fuerte como lo fue nuestra amistad, podría decirse que gastamos toda una amistad en un tiempo de tres meses, por eso fue tan intensa. La pulsera tiene un tamaño superior al de una pulsera corriente, debido a esa intensidad y el interés por reproducir esta amistad a gran escala, señalando lo importante que fue para mí.



Estas personas simbolizan la figura de aquellas personas en las que me baso para elaborar las ventanas, ellos son la sombra de lo que un día fue, por esto y por el innegable recuerdo que se alberga en la obra se les ha pintado el rostro de negro, para que no pueda defirnirse ningún rasgo facial ya que, en los recuerdos, ninguna imagen llegaría a ser lo suficientemente nitida y mucho menos cuando hay un largo tiempo de por medio sin ver a dicha persona, y esto es lo que reflejan estas cuatro estructuras humanas, la esencia de cada persona que, en su día quiso compartir sus cortinas conmigo.


Modelo

                           


La idea consiste en aparentarme “transparente”, virgen en cuanto a carácter y personalidad se refiere, para poder construirme con una realidad Verdadera en base a lo que los demás creen o ven en mí, apoyándome en la teoría de Ortega: "La verdad, lo real, el universo, la vida—como queráis llamarlo—, se quiebra en facetas innumerables, en vertientes sin cuento, cada una de las cuales da hacia un individuo. Si éste ha sabido ser fiel a su punto de vista, si ha resistido a la eterna seducción de cambiar su retina por otra imaginaria, lo que ve será un aspecto real del mundo" (Ortega y Gasset, 1916) El Espectador, tomo I, 1916]

domingo, 11 de abril de 2010

Cromocronías

La exposición en el Centro José Guerrero sobre la poética del color, nos presenta una serie de vídeo creaciones de la mano de 14 artistas que nos ofrecen un recorrido por tres tiempos diferentes en la historia del arte que son la experimental (vanguardias clásicas), nuevos comportamientos (neovanguardias) y discursos artísticos socio-críticos.
A continuación se distinguirá a cada uno de los artistas que participan en la exposición en cada uno de los campos mencionados:
1º Experimental (vanguardias clásicas):

Oskar Fischinger

Radio dynamics (1942), sin sonido, 4’

Elementos geométricos que parecen crecer invaden nuestras pupilas hipnotizándonos con la ligera sensación de embriaguez de colores supeditados unos con otros. El desmayo psicológico que nos produce la rapidez de planos de esta video creación nos sitúa en una espiral constante hacia dentro y hacia afuera de la película.
Radio dynamics es una obra que “sigue las directrices estéticas desarrolladas por Ruttmann en sus Opus, Richter en sus Rythmus y Eggeling en su Diagonale symphonie, sólo que con película de color.”


Norman McLaren

Begone Dull Care (Fantasía de colores) (1948),sonido, 7’48’’

Música e imagen bailan mediante colores de diferentes formas, texturas, tamaños… los brochazos de pintura, raspados, cepillos, etc. en la misma celuloide le aporta a esta obra un enriquecido sentido plástico muy palpable. De este modo, se consigue sentir este tacto visual en fusión con la música de jazz del que va acompañado.
Stan Brakhage
Mothlight (luz de polilla) (1963), sin sonido, 3’14’’
Podría decirse que este vídeo muestra, más que ningún otro, las cualidades y el valor de la cromaticidad de la naturaleza. Alas de polillas y hojas de plantas pegadas directamente sobre una cinta perforada de 16mm revolotean en conjunto en esta obra de Brakhage que sin duda nos introduce en una evocadora sensación de recogimiento envolviéndonos en el mágico ritmo de la naturaleza.
Brakhage ha realizado películas similares a Mothlight sobre película de 35mm como The Garden of Earthly Delights (El jardín de las delicias) (1981),sin sonido, 1’ 27’’, con un mayor detalle.


José Antonio Sistiaga

Ere erera baleibu izik subua aruaren (1968 – 1970), sin sonido, 75’

Múltiples salpicaduras de color invaden nuestras retinas al observar esta crecación de Sistiaga que, pintando directamente sobre el celuloide, nos presenta la única valoración del color en sí mismo, sin ningún tipo de intencionalidad paralela que apoye esta obra en la que Sistiaga nos sumerge: mostrarnos la importancia de la simplicidad del color sin más añadidos.

Algo curioso sobre esta obra es el nombre y la manera en la que surgió, y es que Sistiaga no quería ponerle nombre a su obra y le pidió a Rafael Ruiz Balerdi un titulo inventado que semejara la sonoridad del lenguaje vasco y el primero fue el definitivo.

2º Nuevos comportamientos (neovanguardia):

Bruce Nauman
Art Make-Up (1967 – 1968), sin sonido, 40’

Película compuesta por cuatro fases enumeradas como 1º White, 2º Pink, 3º Green, 4º Black; de 10’ cada una, en la que se aplica sucesivamente maquillaje de estos colores por la cara y torso. Nauman nos presenta una creación de sí mismo, esta obra es muy significativa a la hora de comprender su porqué y su conceptualización. Es bella en cuanto a lo que quiere contar, el hecho de querer “hacerse a sí mismo” e “inventarse” literalmente es, cuanto menos, interesante.

Richard Serra

Color Aid (1970 – 1971), sonido, 36’

220 láminas expuesta por Serra desfilan sin más participación que las mismas láminas y la mano de Serra pasándolas una a una al ritmo del sonido producido por éstas, cuyo interés es la importancia del proceso y la performance para la escultura post-minimalista.
Ann Temkin anota que ésta puede ser una obra en respuesta al que fue su maestro, Josef Albers, a su obra La interacción del color (1963).
Bas Jan Ader
Primary time (tiempo primario) (1974), sin sonido, 26’

Este autor nos trae lo que iba a ser “una nueva obra sobre Mondrian”, una representación en la que el mismo Bas Jan Ader monta y desmonta un ramo de flores formado por flores de colores primarios, así crea ramos monocromos con intervalos de juegos de coloración sin ningún tipo de orden a seguir. En primera lugar hace un ramo rojo quitando flores azules y amarillas, para luego crear un ramo monocromo amarillo, y por ultimo uno azul.

“Así como para Mondrian un simple florero podía introducir la imperfección en el estudio, la obra de Ader no trata de reemplazar un tipo de pureza moderna por otra, sino que refuta la posibilidad misma de la pureza en el arte contemporáneo.”


Lawrence Weiner
Green as well as Blue as well as Red (Verde así como Azul así como Rojo) (1975 – 1976), sonido, 18’
Weiner nos habla de los orígenes del trabajo en el clima sociopolítico y artístico de los primeros años 70. Pero esto no lo podemos saber atendiendo la obra, ya que ésta no se encuentra subtitulada ni traducida, además cuenta con tres diálogos diferentes y esto complica más su comprensión, estos tres diálogos son uno entre Lawrence Weiner y Kahtryn Bigelow; otra, la lectura de los libros rojos; y la última es una grabación de campo de Freiheit de la Brigada Internacional Lincoln durante la Guerra civil española.

John Baldessari

Six Colorful Inside Jobs (1977), sin sonido, 32’ 53’’

John nos quiere mostrar la diferencia entre un pintor de brocha gorda y un artista, este cuestionamiento pone en duda las identidades del papel de cada uno, como el papel de Baldessari en este caso al pintar una habitación sucesivamente con 6 colores diferentes (rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta)
Baldessari pidió diseñar una habitación sin techo para montar arriba una cámara y poder filmar el performance que ejecutaría uno de sus estudiantes.
Este video fue realizado para la inauguración de la Foundation of the Art Resources en Los Ángeles.

Eugenia Balcells

Tomorrow’s colors (los colores del mañana) (1982), sonido, 10’

La filmación de un muestrario de colores puede llegar a ser muy emotivo, como este video de Eugenia Balcells, la cual encuentra el sentido poético de todas estas gamas de colores en conjunto al músico Peter Van Riper, el cual lee los nombres de cada uno de los colores que se muestran en el film. Así, ambos encuentran la armonía entre color y musicalidad desde algo que nos es enteramente común y no nos hemos atrevido a mirar con los ojos con los que nos lo muestra esta artista.


Stephen Dean

Pulse (El pulso) (2001), sonido, 8’
Dean nos muestra el Festival hindú de Holi en Uttar Pradesh, en el que se observa un ritual en el que el color es el que toma la mayor importancia. Los protagonistas se lanzan cubos de pigmentos produciendo así nubes de todo tipo de colores, la verdad es que es impresionante verlo desde fuera, la multitud se vuelve polícroma, el aire está bañado en color, “la pintura del aire ¡es imposible!” decía Stephen.
Para evitar controversias epistemológicas o políticas, el artista declaró que esta obra no era un documental, sino que estaba rodado y montado para que resultara una pintura.

“Cuando grababa pensé que estaba accediendo a algo profundamente arcaico”.


3º Discursos artísticos socio-críticos:

Anri Sala

Dammi i colori (Dame los colores) (2003), sonido, 15’ 24’’

El artista se permite darnos un paseo por la ciudad opresiva de Tirana, en la que el alcalde, amigo y profesora de Anri Sala, Edi Rama, decide pintar los edificios con colores vivos para disipara el carácter totalitario y estalinista de su urbanismo.
El carácter de esta obra en la que Sala tiene que formar parte es melancólico, la regeneración del civismo a partir de esta aportación de colores vivos a los edificios por un lado, y por otro el rechazo de los ciudadanos por considerar este hecho como una imposición.
En realidad, el cambio estético es enorme y, entrando en un campo más psicológico, estos colores tan vivos, irradian luz, vida, esperanza, y no la desolación del paisaje que se podía vislumbrar antes de este proyecto. De este modo podría decirse que este proyecto llega a ser una ayuda para esta ciudad albanesa.

Grace Ndiritu

My blood Self: Natural Color Bar (Mi propia sangre: Barrera de color natural) (2006 – 2007), sin sonido, 6’

Este trabajo es una serie basada en la idea de moda y comunicación, explotación comercial y la banalización de las imágenes del genocidio y la pobreza inferior, yuxtapuesta con imágenes históricas del egipcio y civilizaciones de Mesoamérica.
Estos pedazos silenciosos simultáneos en Rojo, Blanco y Chocolate recuerdan los trabajos conceptuales de los años 1970 de Joseph Kosuth, que jugó con la deconstrucción y el significado. También usan un falso patrocinio para destacar la marcación global de las publicaciones de armonía racial, por empresas como Levis y Wrangler en sus campañas publicitarias.

Hito Steyerl

Red Alert 2 (Alerta roja 2) (2009), 1’

Esta obra puede traducirse como un intento de conclusión de la obra de Rodchenko Red Alert o Alerta Máxima, en la que realizó 3 monocromos con los colores primarios y los llamó Amarillo Puro, Rojo Puro y Azul Puro, refiriéndose a este trabajo como “el final de la pintura”.
Pero para Hito solo hay un color primario: el rojo-naranja usado por la Seguridad estadounidense para indicar el nivel de amenaza más alto en su escala de alarma de terror basada en colores.
Red Alert 2 es una reflexión sobre la recepción de Red Alert. La autora recopiló fotografías de prensa y de aficionados que circulaban por internet y las montó para crear una animación de material encontrado.

sábado, 10 de abril de 2010

Proyecto personal

El proyecto que quiero realizar consta de 6 autorretratos de 40x40 en los que emprenderé una búsqueda sobre mí misma con la intención de encontrar ese otro Yo que todos guardamos en esa otredad tan extraña y familiar.

La escritura es algo que forma parte de mí desde la niñez, y el modo de buscarme en estos 6 autorretratos será entre esas líneas que me componen. La idea es una fusión entre un autorretrato pictórico junto con esos dibujos que, sobre todo de niños, hacíamos con palabras, como los dibujos que muestro a continuación:


El fín de este proyecto no es otro que el de retratarme pictóricamente con mis palabras, es decir, realizar los 6 autoretratos escribiendo con pintura algunos fragmentos de mi vida.
La serie mantendrá una evolución desde el primer autorretrato con colores que no corresponden a la realidad hasta el ultimo que será el más realista, esto determinará una simbología sobre la cual me estaría "quitando capas" de color, hasta encontrarme a mí misma, a ese Yo en un baile entre la pintura en consonancia con la escritura.
La fotos que muestro a continuación son un acercamiento al modo de tratar el color de cada uno de los autorretratos.




viernes, 2 de abril de 2010

retratos


Grafito sobre cartulina 60x50


Grafito sobre cartulina 60x40

Grafito sobre cartulina 50x40

Grafito sobre cartulina 30x40

Grafito sobre cartulina 20x30

Grafito sobre cartulina 50x40

jueves, 18 de marzo de 2010

Mirame y dime qué lees


Las huellas de nuestra vida se reflejan en los espejos de nuestro recuerdo incluso tras la muerte. Las huellas permanecen escritas en los espejos por una eternidad, eternidad caprichosa del que estima necesario un tiempo suficiente para detenerse a leerlos. Aun así, permanecerán impasibles como textos sagrados, códigos de vidas yacentes, hastiadas de llantos y desarraigos, pero también fervorosas de pasión, apetentes de vida, tanto como tantas almas aun vivientes así lo sienten. Estas sensaciones, escritas a arañazos de momentos de toda una vida, no solo son metáforas enjauladas en reflejos, estas metáforas también son un hecho literal.

Somos proyecciones, somos contenedores rebosantes de reflejos en los que plasmamos nuestros gustos, anhelos, inquietudes, etc. Nosotros somos nuestras vivencias, nos construimos como un castillo de naipes mediante absorciones miméticas de cuanto nos rodea, interiormente acumulamos tiempos, épocas, momentos, situaciones, sentimientos que nos han sucedido, y al realizar la mezcla en nuestra “casa de los espejos” nos observamos a nosotros mismos.
Personalmente me considero una persona “opaca”, digamos que, dentro de este juego de metáforas soy un espejo teñido, ya que, si bien mantenemos que los espejos deben reflejar lo que somos y lo que sentimos a través de nuestras vivencias, en mi caso, lo que lo refleja es mi poesía, es el reflejo de todo lo que soy y lo que he sido, es un tupido velo entre mis espejos y yo, es una alianza entre mis sentimientos y mi forma de expresión, como también los son otras artes como el dibujo o la pintura.

"He adoptado el recurso del espejo porque uno debe asumir la responsabilidad de conocerse". (Pistoletto)

“Ese hacer que llamamos arte no es sino un trozo de ese espejo que a veces conseguimos ser”. (Masó, 2004).

Y es que en realidad somos ese espejo que sale a la luz cuando algo nos roza en la fibra más sensible de nuestro interior y lo expresamos por cualquier tipo de vía, como eso a lo que llamamos arte como dice Masó, por que lo que realmente funciona dentro de cada uno, son esas estructuras que vamos construyendo con pedacitos de nosotros, tan similares pero tan diferentes en su originalidad, por que no hay obra más compleja que la de modelarnos a nosotros mismos.








Cada espejo conlleva un mensaje, una sensación, un recuerdo, un reflejo…como todos cargamos diferentes mensajes personales de experiencias y recuerdos sobre nuestra espalda como pequeños fantasmas que se agarran con fuerza a nosotros, los cuales guardamos en lo más íntimo y profundo sin motivos aparentes para no desgastarlos con el aire ajeno viciado.
Por esto, y por más de una cosa que me haya dejado en el tintero, quiero dar a luz una pequeña parte de mi espina dorsal.